ROOM 666 EN EL 2020: Ideas sobre la desaparición del cine

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ROOM 666 es el nombre de un documental que Wim Wenders filmo en el festival de Cannes de 1.982. Lo que hizo el alemán fue instalar una cámara en un cuarto de hotel e invito a quince directores, que en una excéntrica soledad tuvieron que responder a tres preguntas que giraban sobre la misma temática: ¿Cuál es el futuro del cine?, ¿desaparecerá frente al avance de la televisión y la dictadura de los altos presupuestos?

En este 2020, marcado por la crisis del COVID 19, que ninguno de sus protagonistas podía imaginar, ni en 1982, ni hace tres o cuatro meses, nos encontramos, sin embargo, básicamente, con las mismas inquietudes y temores.

La forma de la pregunta es distinta, pero la substancia, el “entrelineas” es universal; ¿va a poder sobrevivir el cine?, el enemigo en ese momento eran la televisión y los altos presupuestos (que fortalecen los blockbusteres, las grandes superproducciones, pero dañan el resto del espectro cinematográfico). Hace unos años el streaming era percibido como el gran rival. Hoy es un fenómeno mucho mayor y de características aterradoras; aquí, en Francia y en Hollywood, el mercado simple y llanamente ha desaparecido y las películas se agolpan en la fila, sin saber cuándo podrán estrenarse.

Es interesante observar como la mayor parte de los entrevistados sucumben ante la sorpresa y caen en el desconcierto. Solo un puñado da respuestas interesantes y entre ellos se destaca Godard; para él es un problema que las pequeñas películas estén desapareciendo frente a la tendencia de la industria a encarar solo grandes producciones, pero uno mayor, por su fuerza expresiva es el de la publicidad, que atiborra al espectador de momentos culminantes; en las tandas publicitarias “se ofrece múltiples clímax de Potiemkin, pero sin las dos horas de respaldo de Potiemkin”, dice el suizo –francés. Y si pensamos en el atiborrado contexto de “efectos especiales” producidos merced al abaratamiento de la tecnología en nuestros tiempos, amén de la sobresaturación publicitaria, no nos queda más que seguirle dando la razón. Y hoy en este 2020 podríamos añadir que dado el “tiempo” de lo virtual y las redes, la capacidad de atención del espectador medio ha caído notablemente; clímax y mas clímax y cada vez menos contenido.

Varios de los otros entrevistados vuelven sobre el tema: ¿la estética de la televisión se comerá a la del cine? Como han pasado treinta y tantos años de la realización de dicho documental y se puede decir que ya hemos superado los embates más fuertes (y en algún caso definitivos) de la videocasetera, la televisión por cable, el DVD y ahora el streaming ,  sabemos categóricamente que no. A pesar de que en muchos casos el principal vehículo de difusión de los filmes se da en la TV o el video casero,  el encuadre para la gran pantalla no representa ninguna desventaja; igual las películas se consumen y su capacidad de “rating” sigue enfrentando sin problemas a los mejores productos hechos específicamente para la televisión. En ese sentido podemos tomar las palabras de Hertzong, cuando dice que el cine posee una fuerza expresiva superior a la de la TV: “Tiene la capacidad de expresar  mejor la vida”, y si le damos la razón, podríamos concluir también que también tiene la capacidad de atravesar las limitaciones de cualquier vehículo de difusión,  otra cosa es que  como todo arte vivo, tienda a reinventarse y a dejarse influir periódicamente por otras formas expresivas; por el teatro y la misma radio en determinados momentos y por la televisión  y sus descendientes en otros.

Paul Morrisey, el “operador” de Andy Warholl por mucho tiempo, da otro criterio complementario. En un inusual ataque al cine de autor afirma que en realidad el medio  está muriendo porque ha abandonado a los personajes y por  tanto carece de vida. “Hay más vida en los Talk Shows, que en las películas” proclama, y culpa por ello a los directores y a la fotografía  que han ocupado el rol primigenio que antes le correspondía a las historias.

Spielberg se preocupa por los presupuestos; “una producción importante costaba ocho millones hace un tiempo,…hoy no se puede hacer una película de ese alcance, por menos de veintisiete”. Seguramente el director no  podía imaginar en ese entonces las “medias” que hoy llegan a los cien millones de dólares y que en ocasiones trepan hasta los doscientos.

Temores de hace casi tres décadas, pero que en la práctica no han hecho más que desmentirse. Es verdad que la tecnología ha dado saltos impresionantes, pero ellos no han hecho más que facilitar el acceso masivo a las herramientas creativas de la imagen en movimiento. Por su parte, las grandes producciones de Hollywood han elevado hasta las nubes sus costos, merced a una atropellada carrera inflacionaria, pero en contrapartida ha aparecido el digital para posibilitar un cine de bajos presupuestos. En realidad podríamos decir que nuestra situación es mucho mejor que la de los ochenta, setenta e inclusive sesenta en cuanto a posibilidades de realizar un cine independiente de grandes capitales.

La pregunta clave entonces, en estos momentos vuelve a ser: ¿va a sobrevivir el cine a la pandemia? ¿Qué ocurrirá si las salas tienen que ser abandonadas por uno, cinco o más años y las películas no tienen donde estrenarse? Podemos especular mucho, pero la respuesta a la primera pregunta es siempre: sí. El cine no va a morir porque se ha convertido en una forma básica de la expresividad social. Seguramente seguirán cambiando los formatos y es seguro que la pandemia nos obligara a cambiar nuestros hábitos producción, pero en realidad tampoco se trata de un fenómeno completamente nuevo; en 1945 los cineastas italianos se encontraron con que la guerra había destruido sus estudios y al filmar en las calles comenzaron eso que luego se denomino como Neorrealismo. Es el momento de retomar la celebre frase de Glauber Rocha: “El cine es una cámara en la mano y una idea”, a lo que quizás podríamos añadir en estas épocas de encierro obligatorio; “también una editora y un amplio banco de imágenes para empezar a trabajar”.

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Rodrigo Ayala Bluske
Rodrigo Ayala Bluske es cineasta y ensayista. De 1985 a la fecha ha colaborado en diversos medios de prensa como crítico de cine y columnista. Ha realizado más de una treintena de trabajos entre cortometrajes, seriales de televisión y largometrajes. Entre los principales se encuentran “Fuego Cruzado” (1995) serie de televisión y los largometrajes “Día de Boda” (2008), “Historias de Vino, Singani y Alcoba” (2009), “La Huerta” (2012) y “Tarija, Valle Central” (2012). Ha publicado ensayos e investigaciones sobre gobernabilidad, política y recursos naturales, entre los que se encuentran “Personajes Increíbles vistos por un Clasemediero en Crisis” (2005), “La Construcción del Nuevo Paisaje Político Tarijeño” (2011) en “Cuadernos de Futuro” (PNUD) y “Tarija: Escenario de las tres Batallas” (2012). Actualmente es director de Protección del Medio Ambiente Tarija.
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